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Verrerie de Murano-années '50

Lustre Art Déco à plaques, vers 1930, signé J. Robert

Petit chandelier Art Nouveau en argent, provenance française

Aujourd’hui j’ai choisi de vous parler de la contribution de l’Art Nouveau aux “arts de la table”. De grandes signatures de l’Art Nouveau ont choisi de s’exprimer dans les domaines de l’argenterie et des objets de décoration en étain argenté. Alors que d’autres se concentraient sur les lampes, les vases ou les meubles comme Gallé et Majorelle par exemple, d’autres, comme Maurice Dufrêne , en France ou Peter Behrens ou Jozef Maria Olbrich, en Allemagne, choisissaient les arts de la tables.

En illustration, un service à thé et à café fabriqué par la firme Gerhardi & Co, vers 1904. Fondé vers 1814 à Lüdenscheid en Allemagne, les ateliers Gherardi se sont spécialisés en services de table et objets de décoration liés aux arts de la table. Toutes les créations de Gerhardi étaient réalisées en étain ou en étain plaqué-argent. A partit de 1902, Gerhardi s’est attachée uniquement à l’Art Nouveau en faisant appel aux grands designers de son époque tels que Albin Müller, Peter Behrens, Albert Reinman, Paul Hanstein et Maurice Dufrêne en France.

En concurrence avec deux autres grandes firmes allemandes travaillant dans le même secteur, Kayserzinn et Orivit, les créations très variées de Gerhardi connurent un énorme succès avant la première guerre. La firme évolua difficilement dans les années 1920, sans réussir à mobiliser de nouveaux designer plus en phase avec le goût du public pour le style Bauhaus et l’Art Déco et dut fermer ses portes en 1930.

L’autre grand nom de l’étain était Kayserzinn. La famille Kayser ouvrit, en 1862, une manufacture d’étain à Krefeld qui employait 400 ouvriers en 1899. Spécilalisée dans les objets de table et décoration, Kayserzinn (en fait J.P Kayser et ses fils) fit également appel à des designers Art Nouveau et connut un succès de masse plus considérable  que Gerhardi, dû à la brillance de l’alliage d’étain et d’argent utilisé, sans y mélanger de plomb, et au succès des modèles des créateurs dont le principal fut Hugo Leven (1874-1956) qui trouvait ses sources d’inspiration dans l’Art Nouveau français et le Jugendstil autrichien.

A la différence d’Orivit, Kayserzinn visait la production de masse et des objets d’usage courant tels que cendriers, chandeliers, plateaux etc…. à des prix accessibles à un public aussi large que possible.Les réalisations n’en sont pas moins réussies et ont connu l’apogée du succès entre 1899 et 1911. C’est à cette date que disparut Engelbert Kayser, le dernier dirigeant familial de la firme qui entama ensuite son déclin pour fermer ses portes en 1925.

En illustration ci-contre, une plateau (30cm x 24 cm) à fruits de mer, décoré aux angles de crabes et au centre d’anémones de mer. Tous les objets de Kayserzinn portent un poiçon avec le nom de la marque entourée d’un ovale et un numéro supérieur à 4000.

Daum, Gallé et Schneider, de même que l’atelier des frères Muller étaient issus de la tradition verrière de Nancy et de la région lorraine qui connaissait le succès depuis l’époque de l’Art Nouveau. La “marque”Degué est une nouvelle venue après le première guerre mondiale.

Degué est le pseudonyme adopté par David Guéron ou Guérin, un immigré d’origine turque qui,a fait la guerre, côté français, sous l’uniforme de la légion étrangère. Il rachète en 1920 la Cristallerie de Compiègne et met sur le marché des verres doublés de couleur, gravés à l’acide de motifs floraux dans le style de Gallé en s’inspirant des techniques et du style de Daum et de la verrerie Schneider dont il va jusqu’à débaucher les chimistes et les ouvriers. Tout cela lui vaudra de multiples procès pour plagiat de Charles Schneider (le Verre Français), Daum et Muller Frères.

Degué finit par trouver son propre style avec les créations de son directeur artistique Edouard Cazaux et de David Guéron lui-même,surtout de 1928 à 1935 pour les luminaires et les vases. Les qualités techniques et artistiques sont maintenant au rendez-vous et le succès ne se démentira plus jusqu’à la veille de la deuxième guerre mondiale.Les caractéristiques des créations Degué, de cette époque sont les formes-types de l’Art Déco, soit des motifs à la géométrie stricte, soit des variations très structurées et en relief sur le thème de la rose.

C’est ce dernier motif qu’on retrouve décliné sur cette splendide réalisation de lustre Art Déco (93cm de hauteur sur 53 cm de côté). La monture en bronze argenté soutient quatre tulipes en verre pressé décoré d’un thème floral repris sur quatre plaques latérales et un fond, tous en verre blanc pressé.

Le même type de dessin, de même inspiration florale et géométrique, fut utilisé par Degué pour des décors d’appliques, avec parfois un relief moins prononcé, comme l’illustre la photo ci-dessous d’un exemplaire d’une suite de quatre appliques à monture d’acier nickelé réalisées vers 1932. Toutes ces créations sont, bien sûr, visibles et en vente à la Galerie Palissandre.

En 1926, David Guéron, installe à Paris la Verrerie d’Art Degué où sont créés ses modèles et réalisations fabriquées à Compiègne. Il installe aussi un magasin à Paris. Le déclenchement de la guerre en 1939 met fin à la Verrerie d’Art Degué.

Le nom de Thonet est attaché aux chaises-bistrot fabriquées,aux 19ème et 20 ème siècles,à des millions d’exemplaires. Les meubles en bois courbé fabriqués par Thonet et ses concurrents (les principaux s’appelaient Kohn et Fischel) sont intemporels. On les retrouve aussi bien dans des intérieurs du 19ème siècle, dans l’Art Nouveau autrichien de 1900 que dans les décors de Le Corbusier dans les années ’30 ou actuellement au milieu de créations contemporaines.

Le procédé consistant à courber le hêtre soumis à des jets de vapeur à haute pression fut inventé, vers 1840,  par Michael Thonet, un Allemand né en 1796. Thonet s’installe en Autriche-Hongrie, à Vienne et les chaises et autres meubles qu’il fabrique selon ce procédé connaissent un succès fulgurant. Les usines Thonet poussent comme des champignons dans tout l’empire austro-hongrois et vers 1900,les meubles des quatre frères Thonet, héritiers du fondateur, sont vendus dans le monde entier.

Ce  Schlafsofa (ou canapé-lit) modèle n° 2 fut présenté, pour la première fois dans le catalogue de 1895. La partie fixe mesure 115 cm de long, le dossier fait 85 cm, le tout sur une largeur de 60 cm. Le dossier, dont le cannage légèrement incurvé supporte au mieux le dos de l’utilisateur, est réglable sur six position (de la lecture au sommeil). Ces caractéristiques firent de ce modèle la chaise-longue la plus confortable jamais fabriquée par Thonet.

Esthétiquement, la ligne fluide de ce Schlafsofa doit beaucoup aux quatre pieds formés de spirales en bois courbé caractéristiques des créations Thonet.

La beauté et le le confort de ce modèle en firent un tel succès qu’il fut fabriqué jusqu’en 1917.

An extraordinary walnut show-case (250 cm x 130 cm x 46 cm). This pure french style Art Nouveau furniture was designed and manufactured around 1900, probably by Louis-Desire-Eugene Gaillard.

Gaillard was a french architect and cabinet maker. Alongside with Gallé and Majorelle, in France, and Victor Horta in Belgium, he was considered as one of the theoriticians of the Art Nouveau style which he explained and illustrated in his book, l’Art du Mobilier, in 1906.

Eugene Gaillard became famous following his successful participation as a designer in the International Exhibition in Paris, in 1900.

Vient d’arriver en magasin !

Une extraordinaire vitrine -bibliothèque (250 cm x 130 cm x 46 cm) dans le plus pur style de l’art nouveau belge ou français.

Le meuble est réalisé en noyer massif et comporte sur l’avant une décoration en bois sculpté reprenant le fameux mouvement en “coup de fouet” ainsi que des roses ciselées.Les pieds et le dessus du meuble, y compris son fronton contiennent des motifs art nouveau donnant à cet vitrine le gabarit typique du style 1900.

Tant le motif floral utilisé que la forme des volutes appliquées sur les vitres et sur le pourtour sont caractéristiques d’Eugène Gaillard, un artiste majeur de l’Art Nouveau français emblématique de l’école de Nancy. Eugène Gaillard (1862-1933) a exercé son métier d’architecte et de créateur de meuble à Paris. En 1900, lors de l’Exposition Universelle de Paris, il réalisa et décora le pavillon du marchand de meubles Samuel Bing et s’imposa comme un des théoriciens du style Art Nouveau avec Majorelle et Gallé, ses idées étant illustrées dans un livre qu’il publia en 1906, “A propos du mobilier”.

A la différence de nombres de créateurs qui surchargeaient et alourdissaient leurs créations, cette vitrine allie l’élégance et la légèreté tout en restant un meuble pratique, dont le style se rapproche plus du travail d’un Victor Horta que de celui de l’Ecole de Nancy.

Visible à La Galerie Palissandre, 4 Parvis de la Trinité, 1050 Bruxelles

Aujourd’hui, Jules Wabbes (1919-1974) est reconnu comme un des grands designers belges après avoir été longtemps oublié ou renié.  Ses meubles qui ont été redécouverts il y a quelques années sont devenus extrêmement recherchés par les collectionneurs et ses créations atteignent  des côtes de plus en plus élevées dans les ventes à Bruxelles mais surtout à New-York et à Paris.

Jules Wabbes quitte l’école à 16ans et sera d’abord un photographe; après la deuxième guerre, il devient antiquaire en ouvrant, en même temps, un atelier de restauration et puis de création.Il en vient à créer des meubles, devient décorateur et architecte d’intérieur. Au début, il se lance dans l’aménagement d’intérieurs d’avions pour la Sabena (les DC 6C et DC 7B), il passe ensuite aux bureaux avec le Fonds Colonial des Invalides, le Crédit Communal et la Générale de Banque. En parallèle, il crée du mobilier et fonde sa propre société d’édition et de diffusion, le Mobilier Universel.

Primé à la Triennale de Milan en 1957 et en 1960 ainsi qu’à la Foire internationale de Munich, cet autodidacte voit son talent reconnu et est nommé professeur à l’Institut Saint-Luc à Bruxelles. Il meurt brusquement en 197, laissant une oeuvre inachevée.

Une de ses spécialités sera le meuble à lattes,constitué de panneaux de bois massifs assemblés par collage formant un casier qui se lie à un autre et ainsi de suite, jusqu’à former des bibliothèques, des commodes ou des armoires posées sur le même piètement métallique. Mais la “grande affaire” de Jules Wabbes ce sera la création de meubles de bureau. Il travaille essentiellement le bois de préférence exotique, palissandre de Rio, teck ou wengé, marié avec du métal chromé. Ses assemblages sont solides, précis avec des lignes fluides, élégantes, indémodables.

Vue latérale du “petit bureau” (152 cm X 76 cm); modèle créé en 1958 châssis apparent en tubes d’acier chromé; un caisson en bois lamellé, finition palissandre avec  trois tiroirs et tirette sur coulisses extérieurs, plateau palissandre entièrement restauré (vernis tampon).L’estampille de Jules Wabbes figure sur les poignées chromées.

Ce modèle de bureau a été réalisé à un ou deux caissons et en plusieurs dimensions. Jules Wabbes a aussi réalisé un bureau direction (216 cm X 97 cm), en 1965, avec plateau épais en forme de boomerang, en wengé lamellé collé reposant deux caissons amovibles et la même structure d’acier chromé visible.

Mais, par -dessus tout, près d’un parc du nord de la ville, je suis tombé en extase devant un chef-d’oeuvre méconnu (ici) de l’architecture Art Nouveau, la Weisse Haus ou Maison Blanche, construite pour lui-même, en 1902, par l’architecte Josef Beitscher qui l’habita une année pour aller, ensuite, s’installer à Berlin, poursuivre une carrière plus obscure.

Beitscher a utilisé le grès blanc pour construire ce véritable bijou. Le porche d’entrée formant une arche est déjà remarquable en ce qu’il allège une structure large et lui donne de la perspective. La décoration florale marquée par le style “coup de fouet”, typique de l’Art Nouveau belge ou français étonne pour une construction allemande de cette époque; mais aux coins de ce porche, l’architecte  nous surprend: il a imaginé des masques  de personnages grotesques, évoquant, transposé dans le syle de l’époque, des gargouilles des anciennes églises. Sur les côtés de la maison, des tours supportent des sculptures de visage féminin dans la plus pure tradition de Jugendstil viennois ou de l’école de Darmstadt.

L’esprit du Jugendstil et ses formes géométriques sont rappelés dans les somptueuses plaques et poignées de la porte d’entrée, elle-même en bois sculpté. Un des côtés de la maison fait office de puits de lumière, constitué par un e verrière de 4 mètres sur 8 en verre décoré à l’acide avec motif floral en pure style Art Nouveau. Splendide !

Un des maîtres du design des années 1950-1960, Arne Vodder (1926-2009), un architecte danois devient un des créateurs les plus influents du style mid-century. Ce seront ses créations de  buffets, bureaux ou meubles de rangement qui serviront de phare à ce qu’on appellera ensuite le design scandinave.

Arne Vodder étudie d’abord avec Finn Juhl avant de lancer ses propres créations fabriquées pour la marque Sibast, un firme danoise, qui lui valent tout de suite une renommée internationale. A la différence du meuble art déco ou des années ’40, Vodder délaisse les bois de plaquage pour utiliser du matériau massif comme le palissandre de Rio ou le teck.

Les buffets de Vodder sont à la fois solides et bien conçus mais surtout très élégants dans les lignes et les proportions. Ici le Sideboard n°63, une création de 1958, en palissandre rouge, une de ses modèles à succès avec ses tiroirs futuristes (pour l’époque !) et ses portes à tambours.

Depuis peu de temps, le mid-century scandinave revient en force dans le design contemporain, soit quand il est décliné dans des adaptations actuelles soit quand on reprend des créations originales comme ce sideboard n°63 qui s’insère magnifiquement dans des espaces dégagés qui les mettent en valeur.